miércoles, 9 de diciembre de 2009

> VISIONES EXPANDIDAS (5)


(ESPECIAL JOHN HOUGH)
Accidentalmente, por alguna especie de sincronía cósmica inexplicable, me he visto arrastrado a ver varias pelis de John Hough en un estrecho periodo de tiempo. No es un director que tuviera en mente como alguien a quien repasar, ni tampoco tenía claro cómo clasificarlo. Después de ver unas cuantas películas suyas, tampoco es que se pueda decir mucho de su sello personal, quizá que es un director elegante, tirando a clásico, y con un poco frecuente interés por la música. LA LEYENDA DE LA MANSIÓN DEL INFIERNO (1973) es seguramente su gran hit, una adaptación literal de la novela de Richard Matheson, que empieza muy bien, con un tono documental muy frío y técnico, algo insólito en el género de casas encantadas (aunque THE HAUNTING de Robert Wise iba por ahí pero con más sobriedad y cautela), pero acaba pareciéndose a un episodio de Scooby Doo. Lo mejor de la peli es sin duda esa banda sonora con ecos cósmicos alemanes de Brian Hodgson y Delia Derbyshire, compositores preocupados por los sintetizadores y la música concreta, responsables también de las cacofonías electrónicas de DOCTOR WHO. INCUBUS (1981) no se anda con tantas exquisiteces y se atreve con lo que luego conoceremos como terror ochentero: sangre, látex y tetas. De alguna forma la película es un fósil transicional entre el terror gótico y un terror más corporal y sexual, entre la Hammer y Cronenberg, podríamos decir, y eso la hace bastante atractiva y bizarra.  La participación de John Cassavettes como protagonista es otro plus. Y una vez más la música revaloriza su visionado, gracias a las distorsiones (algunas recuerdan a LA MATANZA DE TEXAS) de Stanley Myers y a la aparición del grupo Samson de heavy metal con un Bruce Dickinson preIron Maiden, con un videoclipazo macarrónico y satánico metido a capón en el film. ESCÓNDETE Y TIEMBLA (aka AMERICAN GOTHIC, 1987) es un slasher crepuscular anclado ya en la decadencia del subgénero. El punto de partida es muy bueno, ni más ni menos que el famoso cuadro American Gothic de Grant Wood, icono del horror vernáculo norteamericano, y el planteamiento de que ese horror se cruzara con una panda de adolescentes contemporáneos (un poco como CURSO DEL 63 de A3). Este choque de tradiciones se resuelve de forma algo rutinaria, pese al excepcional casting con Rod Steiger, Ivonne de Carlo y Michael J. Pollard, y algún que otro momento grotesco y enfermizo. Pero mi favorita sería sin duda DIRTY MARY, CRAZY LARRY (1974), una exploitation puramente yanqui (a pesar de que Hough es inglés), al estilo AIP (James Nicholson producía, recién salido de la factoría de Arkoff) y con Peter Fonda, Susan George y Adam Roarke. Pionera de las auténticas road movies como VANISHING POINT y película de culto total: maravillosos diálogos, interpretaciones, música, persecuciones y un final que corta el aliento. Eso sí, la huella de John Hough aquí es difícil de encontrar.





martes, 1 de diciembre de 2009

> Adiós a Paul Naschy


Nunca he sido muy fan del tío Paul, pero su legado al cine de exploitation patrio es intachable, al igual que su férreo y obstinado compromiso con el "fantaterror", una cosa algo rancia y artrítica, pero que tiene legiones de seguidores y puso a España en el mapa del cine de terror. En plan anécdota, un amigo mío me contaba cómo veía a Paul Naschy (hasta hace unos pocos meses) en un gimnasio del centro fortaleciendo sin descanso ese pecho lobo que le hizo famoso. Y es que Naschy, como Lugosi, nunca se rindió. El año que viene le veremos más allá de la tumba en LA HERENCIA VALDEMAR, y nos despediremos de él como es debido.

En el Youtube, una de mis favoritas suyas.

viernes, 13 de noviembre de 2009

> FILMEFOBIA (Kiko Goifman, 2008)



El cine mondo sigue vivo, y parece que anda buscando nuevas formas de expresión para adaptarse a los gustos del público del siglo XXI. FILMEFOBIA es un curioso experimento mondo brasileño dirigido por un documentalista que parte de esquemas clásicos del género, investigar el típico tema sensacionalista (las fobias), para luego subvertirlos completamente en busca de lenguajes más contemporáneos y posmodernos, consiguiendo una especie de making off ficticio de un falso documental; una pirueta metacinematográfica que se sostiene sólo a ratos pero que resulta simpática. Los orígenes son más que evidentes y Goifman tampoco se molesta en ocultarlos: los falsos documentales de José Mojica Marins (que interviene en la peli a modo de consultor) como O DESPERTAR DA BESTA, es decir, un grupo de expertos e investigadores se reúnen para tratar un tema y sus experimentos se intercalan a modo de piezas breves. En FILMEFOBIA el experto es un personaje llamado Jean Claude, y su equipo es el propio director, el cámara y una chica de foto fija. Jean Claude, enfermo de SIDA y a punto de perder la visión, somete a los voluntarios a unas extravagantes pruebas que los sumergen en sus fobias personales, con el propósito de captar con la cámara el rostro del auténtico terror: el rostro del fóbico perdiendo totalmente el control al enfrentarse a su fobia. Es aquí cuando la película empieza a abandonar los terrenos del documental y se pierde sin despeinarse por los de la ficción (EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO) y el cine más bizarro; y cuando empezamos a notar que lo que interesa a Kiko Goifman es en realidad la pura estética de unos experimentos que van desde la maquinería grotesca de la saga SAW, a artilugios propios de una instalación de arte contemporáneo. Estas escenas, sin duda lo mejor de la película, son en sí mismas otra muestra de hibridación de géneros y de influencias; un batiburrillo de referencias, entre lo pedante y lo obvio, que consiguen un ambiente sórdido y arty a la vez: videoclip, cine experimental, serie B, accionismo vienés, sadomasoquismo, nueva carne, snuff, mondo, arte conceptual y surrealismo. De todas ellas, me quedo con la imagen que abre la película: una playa vacía, una silueta que se acerca corriendo desde el fondo, dejan a un tipo atado en la arena en primer plano, la silueta se acerca y vemos que es un enano desnudo y saltarín que empieza a restregarse con el hombre atado; un momento digno de un film-pánico de Fernando Arrabal. Y en el polo opouesto, la imagen más insoportable, de reminiscencias buñuelianas: la del ojo atravesado por una aguja, una operación ocular real que le hacen a Jean Claude; menos gore, eso sí, que la que también se haría Mojica Marins en INFERNO CARNAL. FILMEFOBIA no inventa nada nuevo y tampoco logrará impactar al espectador encallecido del género, pero su descaro a la hora de mostrar impúdicamente sus cartas y sus trucos hacen que se deje ver con complicidad y buen humor. Ahora, si alguien pretende tomársela en serio (incluido su director), apaga y vámonos.

martes, 3 de noviembre de 2009

> Semana de Terror de San Sebastián (y 3)

wow.jpg wow image by buxtehuderocks

Se me acabó el festival. Lo de ayer estuvo bastante mejor, hubo más variedad en la pantalla, la chusma no dio tanto por culo, y hasta me encontré con Sara Torres que, ahora como espectadora, compartía bastante mis opiniones sobre la programación (ella fue la verdadera propulsora del festi en su época gloriosa). Por la tarde fui a ver DREAD (Anthony DiBlasi, 2009), basada en un relato de Clive Barker que yo recordaba como algo bastante enfermizo y malrollero, claro que tendría 20 años menos cuando lo leí. El caso es que la película es bastante chorras, parece un capítulo de una serie de Josh Whedon orientada a newmetaleros nihilistas, o sea, un camelo inofensivo pero aparente. En ocasiones recuerda hasta a TESIS, como bien recordó algún espectador inspirado. Pobre Barker, se ha convertido en la J.K. Rowling de los emos. Quien dice emos, dice neogóticos, primitivos modernos, darks... DREAD es una película apta para todas las tribus. ARBEIT FÜR ALLE es un corto alemán rodado como un publireportaje, con apoteosis zombi final y humor ácido comprometido socialmente. El mensaje pro-becarios/mileuristas arrasó entre el público del Principal. No está mal, me recordó a aquel corto también alemán sobre seguridad en el trabajo que desembocaba en slapstick gore. GRACE (Paul Solet, 2009) es una (des)agradable rareza que parece escrita por Larry Cohen y rodada por el Todd Haynes de SAFE. Hay un bebé que mama sangre, crítica corrosiva contra la homeopatía y las medicinas alternativas, y un tono gélido y distante que a veces resulta un poco forzado, pero mola. También me recordó a ratos a INSEPARABLES de Cronenberg. Los referentes están bien mezclados y se agradece que nos saquen de las dos o tres fórmulas de moda. Y para finalizar, de parte del ciclo de Métal Hurlant, pusieron LE DERNIER COMBAT (1983) de Luc Besson, que (afortunadamente) provocó oleadas de deserciones en el patio de butacas, con lo que la pudimos ver tranquilamente y con la boca cerrada, como los personajes de esta fábula apocalíptica pero entrañable que nos devuelve a los festivales de cine fantástico de antes.

Me quedo con ganas de ver la expo de Giger, que Palacios me recomendó vivamente, y alguna peli como DEAD SNOW (Tommy Wirkola, 2009) o TRIANGLE (Christopher Smith, 2009) . Pero visto lo visto, tampoco es que me consuma la rabia. Por cierto, ¿sabéis que hoy proyectan LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES de Romero coloreada y en 3D? Pues eso, así están las cosas.

lunes, 2 de noviembre de 2009

> Semana de Terror de San Sebastián (2)

Ayer pudimos ver una de las pocas copias íntegras que existen en cine de EL TORREON (THE KEEP, 1983) la maldita película de Michael Mann que permanece olvidada desde su edición en VHS en los 80. Maldita incluso desde su producción, que pasó por todo tipo de infiernos, incluyendo la muerte del director de efectos visuales Wally Veevers y por una drástica reducción de presupuesto por parte de Paramount que obligó a la película a quedarse en la mitad de lo que era en un principio: 3 horas de fantasía terrorífica arty para adultos. Lo que se quedó es una bizarrez de hora y media que continuamente oscila entre la ciencia ficción sesuda y el delirio trash con monstruo (diseñado por Enki Bilal de Métal Hurlant), acompañada de la cosmiche-musik de Tangerine Dream y mogollón de rayos de colores. EL TORREON es una de esas marcianas "películas-que-salen-irrepetiblemente-mal" que yo adoro, en la línea de EL EXORCISTA II: EL HEREJE o ZARDOZ. La copia, enferma del virus del vinagre, se fue partiendo a cachos durante la atropellada proyección, lo que contribuyó a que tuviéramos la sensación de ver una obra a punto de extinguirse.

Después del pase de PANDORUM, olvidable e innecesaria variación sobre ALIEN, tocaba ver la película-fenómeno del año: PARANORMAL ACTIVITY. Todos mis terrores se hicieron realidad en cuestión de minutos, y no hablo del miedo que da (o no) la peli. Sólo a Ángel Sala se le puede ocurrir desafiar al público de la Semana con que va a cagarse vivo con los primeros 40 minutos de película. Por si era poco antiproducente la campaña mediática que arrastra P.A., la amenaza de Sala consiguió obviamente el efecto contrario, que todo dios en el teatro pusiera todo su empeño en cargársela. El pase fue un continuo festival de pitorreos, chascarrillos, chorreces y palmas, si hubiesen repartido matasuegras y carracas en la entrada el efecto no habría sido peor. P.A. es una de esas pelis, como HOLOCAUSTO CANÍBAL o LA BRUJA DE BLAIR, que piden la colaboración del público para poder funcionar; ya sabemos todos que es mentira, que es una película, y que somos muy valientes, pero si no estás dispuesto a dejarte llevar por la propuesta ¿para qué coño entras? Es como el típico paleto fanfarrón que entra en la casa del terror y se pasa el viaje riéndose y gritando"¡que cutre, no me das miedo!" JODER, quédate en tu casa y no me amargues la noche. Me da la sensación de que este comportamiento tan español (o europeo, quizá) va a dar al traste con las expectativas de taquilla de la peli a este lado del charco. En cambio, en EEUU, donde el público disfruta entrando al cine a que le engañen como a un crío, P.A. ha arrasado. Aquí, como somos tan cultos y tan expertos, tenemos que quedar siempre por encima de la película. Pues muy bien.

No puedo decir si la película me dio miedo o no, si aburre o no, si funciona o no; no me dejaron comprobarlo. La idea me encanta, eso sí. Soy muy fan de los videos de fantasmas, las ghost-cam y demás youtubes espectrales, fakes y no fakes, y trasladar esa narrativa a la pantalla grande me parece genial. Por eso no comparto las críticas de que no pasa nada, que si sólo se mueve una puerta, o que no avanza (¿?), porque ese tipo de videos funcionan así. Y precisamente, la película me deja de gustar cuando traiciona ese lenguaje minimalista, feísta y low-profile, y cae en el efectismo barato, como ese horrible final. Seguramente es demasiado larga, algo boba, y muy inverosímil, pero si alguna vez te has dejado asustar por los videos que pone Iker Jiménez, te animo a que lo intentes. Yo probaré otra vez en mi casa, solo, y a eso de las 2 AM, cuando no se oye nada de nada.

domingo, 1 de noviembre de 2009

> Semana de Terror de San Sebastián (1)

Ayer se inauguró el entrañable festival donostiarra, que ya cumple 20 añitos. No se puede decir que haya cambiado mucho, nada más llegar compruebo que todo sigue allí, desde Rebordinos a las telarañas de broma. La ciudad también parece la misma: la Pensión Alemana, los bares de pinchos, y las familias paseando a sus chiquillos. Hace más de 15 años que vine por primera vez a este festival, así que probablemente lo que más haya cambiado sea yo. Ya dentro del Principal, mientras en el escenario hacen uno de los bochornosos teatrillos habituales, me doy cuenta de que sólo quedamos cuatro de aquellos que veníamos hace 15 años: Manolo Valencia, Jesús Palacios y Roberto Cueto. Punto. El resto son los ya legendarios espectadores de la Semana, ese grupo de aficionados al terror que, como manda el canon, gritan, abuchean, arman bulla y sueltan frases ingeniosas contra el escenario. No sabría decir si son los mismos de siempre: no son demasiado jóvenes (25-30) , llevan las mismas camisetas, los mismos pelos y parecen tener los mismos gustos. Me parece que vienen con más chicas que antes. Antes de la peli, Juanma Bajo Ulloa ha organizado una especie de homenaje a Rebor que incluye tarta de cartón, chica sexy vestida de colegiala y 250 caretas de cartulina con la cara de Rebor impresa que han sido secretamente repartidas entre el público. Desde el palco la cosa queda deslucida y pobre, como siempre. Luego Rebordinos admitirá que desde el escenario la imagen era inquietante. Ponen un par de cortos: el Proyecto Corto premiado del año pasado, otro coñazo de chascarrillos fáciles y plastilina rancia que tanto parecen gustar aquí, y que (afortunadamente) no está ni acabado. Se titula VICENTA, en homenaje al VINCENT de Tim Burton, así que ya os hacéis una idea. Luego ponen PARIS BY NIGHT OF THE LIVING DEAD, un corto de producción potente y pocas ideas, anclado en la cansina escuela del Peter Jackson pre-ESDLA (qué daño ha hecho este hombre). La película de inauguración es aún peor, VERTIGE (Abel Ferry) es un survival horror que parece pensado por un senderista de fin de semana, es decir, una cosa aburrida, completamente hueca y sin ninguna mala hostia. Unos alpinistas se pierden por una montaña croata, se atascan en un puente por el que casi caen, y luego un psicópata montañés del que no sabemos nada, les liquida. Mucho ruido de postpo y cero interés. A la gente parece gustarle cuando la chica le aprieta los huevos al asesino. Aplauden a rabiar.

Después del canapé en Bataplan, volvemos al cine con las esperanzas por los suelos (una vez más) y el estómago un poco más lleno. INFESTATION (Kyle Rankie) es una de invasión de insectos gigantes con buenos personajes, humor retorcido y unos bichejos de ordenador muy chuscos, pero tiene ritmo y aunque no inventa nada, funciona. Podían haber puesto esto para inaugurar. El corto que sigue: ELSE (Thibault Emin, 2007 -en la foto-) es lo mejor del día, y apuesto a que lo mejor del festi, una pesadilla erótica extrañísima y malsana sobre una pareja encerrada en un barracón o algo así, en mitad de un escenario apocalíptico que nunca vemos. Hay enfermedades de la piel, hay sexo explícito y paredes que palpitan. Al público no le gustó, obviamente, en el corto hablan mucho, es lento y no se entiende, dos graves problemas para poder ejercer los dos pilares de su afición al género: aplaudir los estallidos de gore y hacer chistes malos para que se los aplaudan o los repitan en futuros pases. Por su culpa, no me he enterado ni de la mitad. Me doy cuenta de que si les pusieran BAD TASTE una y otra vez, hasta el infinito, serían felices. Luego viene una japonesa en video cargada de gore infográfico (hasta la sangre es virtual), desmembramientos hiperbólicos y colegialas locas. De nuevo, Peter Jackson cruzado con el humor raro de SUICIDE CLUB y del manga surrealista. Se titula VAMPIRE GIRLS VS. FRANKENSTEIN GIRL. Aguanto 20 minutos, tengo sueño y este subgénero tan de moda no me lo quita de ninguna manera; se esfuerzan en conseguir el más difícil todavía en gore y puesta en escena, pero las acrobacias acaban resultando monótonas y previsibles. Cuando salgo, la platea aplaude también a rabiar. De camino a la pensión, pienso que el problema no es que yo haya cambiado, es que "ellos" no lo ha hecho, y no lo piensan hacer jamás. El cine fantástico no era esto...

domingo, 18 de octubre de 2009

> El martillo de Leatherface!

Foto de Martillo de leatherface

Al parecer, el martillo original con el que Caradecuero abría cabezas en LA MATANZA DE TEXAS está en Barcelona. No sabemos cómo ha llegado hasta allí, el caso es que un tipo lo vende por 2.200 euros en la web del segundamano. Lo que hace la crisis...


sábado, 17 de octubre de 2009

> VISIONES EXPANDIDAS (4)

THE SAVAGE SEVEN

El EASY RIDER de Sam Arkoff se adelantó a la película de Dennis Hopper en muchos aspectos y propuso al género motero como el heredero natural del western americano. Hell-angels contra indios, y luego todos juntos contra el sistema, cuando descubren que unos y otros comparten el mismo espíritu de rebeldía anticapitalista. Dirigida por una autoridad en la materia, el siempre interesante Richard Rush (HELL ANGELS ON WHEELS), con un reparto de incondicionales: Adam Roarke, Larry Bishop (que hace poco dirigió HELL RIDE sin mucha inspiración), Max Julien (THE MACK) y John "Bud" Cardos. Chirría un poco la subtrama romántica interracial, pero el resto de la peli es muy potente, ácido, macarra y 100% disfrutable. La banda sonora incluye temazos de Cream, Iron Butterfly y Johnny and the Hurricanes.

VIVA LA MUERTE... TUYA
No soy muy amigo de los spaghetti-westerns cómicos y Duccio Tessari es uno de sus especialistas (VIVOS O PREFERIBLEMENTE MUERTOS), pero este merece la pena por al menos una secuencia mítica: el ataque a una mina, una batalla frenética con docenas de extras en un espacio enorme con múltiples niveles (interior, exterior, en altura, bajo el suelo...), magistralmente dirigida por Tessari, con un ritmo espectacular y una puesta en escena insólita que incluye travellings vertiginosos, unos planos cenitales sobre un pozo realmente conseguidos y una coreografía dentro del plano que parece pensada ex profeso de cara al montaje. En mitad de esa larga secuencia Víctor Israel hace una de sus memorables apariciones. Además Franco Nero y Eli Wallach forman el dúo protagonista con una química perfecta. Luego la cosa se vuelve más convencional, pero no menos entretenida. Música de Giani Fierro y Morricone. Cuidado con la versión española que está cortada, para variar... En el mismo año, Fernando Arrabal estrenaba su delirio autobiográfico/surrealista VIVA LA MUERTE, así que supongo que el guiño del título es intencionado.

LA MANSION DE LA NIEBLA
Curioso el debut del director Francisco Lara Polop (habitual años más tarde de los cines "S"), que se marca una de "atrapados en el caserón" al estilo clásico, pero con un par de variaciones que convierten a esta olvidada película en un título a revisar. La presentación de personajes, un trámite del subgénero por lo general bastante aburrido, lo solventa Polop con una serie de secuencias sin diálogos y en movimiento constante, a lo largo de una carretera por la que circulan los protagonistas en diferentes vehículos que los describen automáticamente. Un comienzo realmente eficaz e inspirado. Me gustó también la "inmersión en el terror" que hace Ida Galli en la mansión, poniendo a los personajes en una situación de ruptura total con la realidad con una naturalidad escalofriante. En ese momento la película adquiere texturas lovecraftianas, pero luego se diluyen entre flashbacks innecesarios y convenciones más propias de un whodunit al uso. Algunos trucos visuales y fantasmales apariciones (el chófer y la vieja) remiten a Bava, o incluso al Fulci más sobrenatural, pero se quedan en eso, en visiones fugaces.

martes, 6 de octubre de 2009

> Y tanto pa' qué

Ya es la segunda vez que veo INGLOURIOUS BASTERDS. Y cada vez me gusta menos. También me he leído el guión previo que circula por internet; peor me lo pone. Iba a hacer un post sobre ella, pero no le veo sentido a decir que no me gusta casi nada de la película. Y menos en un blog como este. Así que voy a pasar. A otra cosa...

martes, 29 de septiembre de 2009

> Entrevista a Víctor Israel


Me permito republicar esta fantástica entrevista a Víctor Israel (pincha en la imagen) que apareció en el fanzine Diabolik en 2006, realizada por David Pizarro y Daniel Patón. Es un documento valiosísimo no sólo por su contenido sino también por su rareza, ya que la prensa especializada de este país no consideró oportuno entrevistar más veces a esta leyenda de la exploitation europea, y como podréis comprobar, tenía muchísimo que contar.

He intentado localizar sin éxito a David Pizarro, responsable del fanzine, para pedirle permiso para colgar estas páginas y agradecerle su colaboración. Espero que no le disguste la idea; si fuera así las retiraré sin falta. Mi única intención es dar a conocer este magnífico trabajo y de paso homenajear al desaparecido actor.

(Mil gracias también a Superwoobinda por su gran archivo y escaneo)

viernes, 25 de septiembre de 2009

> David Lynch escaparatista

Me entero por el blog de Dennis Cooper que Lynch ha montado unos escaparates para las Galerías Lafayette de París, en lo que sería una exposición benéfica titulada "Machines, Abstraction and Women" que ocupará los espacios de los famosos grandes almacenes hasta el 3 de octubre. Al parecer en el interior se puede encontrar una sala con algunas litografías y un pequeño cine donde se proyectan cortos suyos. Hace unos años visité la exposición que se montó en la Fundación Cartier, también en París, titulada "The Air is on Fire", centrada principalmente en obras pictóricas de gran tamaño que a mí particularmente me parecieron bastante malas. En una sala adyacente se colgaban infinidad de dibujos, bocetos, servilletas de papel pintarrajeadas, y otras obras pequeñas, también alrededor de un mini-cine con sus primeros cortos. Esta sala, mucho más interesante, revelaba sin ningún pudor el proceso creativo de David Lynch, un tipo tan ensimismado en sí mismo que todo lo que hace lo hace arte. Es evidente que Lynch tiene un prodigioso sentido estético y que ha sabido componer un fascinante estilo personal, a base de mezclar obvias influencias de Francis Bacon, Man Ray, Edward Hopper, Svankmajer, los Becher o los surrealistas, y todo ello luce magistralmente en muchas de sus obras y -por lo que se ve en los Youtubes- también en estas vitrinas, que funcionan como la perfecta ilustración de la deriva de la "obra lynchiana" hacia el puro escaparatismo; y cómo no, de la propia naturaleza del arte contemporáneo contemporáneo.

miércoles, 23 de septiembre de 2009

> Víctor Israel RIP

Nos deja uno de los más míticos secundarios de la serie B europea: Víctor Israel (Barcelona, 1929), una de las primeras caras que empiezas a amar cuando te enganchas a la euro-exploitation. Para mí, cualquier escena en la que apareciera Víctor Israel era automáticamente un placer y una razón para volver a verla. Aquí os dejo unos maravillosos créditos en los que aparece brevemente y su momentazo zombi de APOCALIPSIS CANÍBAL (2:45). Su característica presencia ha dejado huella inolvidable en títulos como PÁNICO EN EL TRANSIBERIANO, EL BOSQUE DEL LOBO, NECROPHAGUS, UN VERANO PARA MATAR, EL MONTE DE LAS BRUJAS, VAMOS A MATAR COMPAÑEROS o EL BUENO, EL FEO Y EL MALO, entre muchos otros.

viernes, 18 de septiembre de 2009

> Malditos! Ya están aquí!


miércoles, 16 de septiembre de 2009

> La conexión francesa (-2)


martes, 15 de septiembre de 2009

> Tres días para Inglourious Basterds...

(Tema 2 incluido en la BSO)



sábado, 12 de septiembre de 2009

> Basterd weekend!





jueves, 10 de septiembre de 2009

> Nazis en blanco y negro

George Sanders, el villano con cara de cómico.



domingo, 6 de septiembre de 2009

> Guerra y spaghettis a la bastarda



> INGLOURIOUS... lunes

El primer video no contiene la versión de la canción que aparece en la peli, sino el original procedente de HI DIDDLE DIDDLE (1943), una de las películas favoritas de Tarantino. El segundo es un dialogo muy tarantiniano de UNO ROJO: DIVISIÓN DE CHOQUE de Fuller.

> Domingo Basterd!

sábado, 5 de septiembre de 2009

> Llegan los BASTERDS

Una semana para INGLOURIOUS BASTERDS y contando...

domingo, 23 de agosto de 2009

> VISIONES EXPANDIDAS (3)

DARKTOWN STRUTTERS (1975)
¿No os parece una gran idea hacer una comedia musical blaxploitation con la música y los estilismos propios del género? Ciertamente lo es, pero ya se le ocurrió a William Whitney en 1975, que bajo la producción de Gene Corman realizó este delirante slapstick cargado de ideas bizarras y brillantes, números musicales con mucho groove y grandes dosis de black power. La protagonista tiene una banda de moteras que van pateando culos por el barrio y buscando a su madre, que ha sido secuestrada por un malvado gordo blanco que tiene una cadena de costillas (parodia de KFC) y un ejército de moteros del Ku-Klux-Klan. El tipejo planea la supremacía blanca con una máquina de clonar líderes negros que parece sacada de un episodio de los BANANA SPLITS. Si fuese más conocida sería la única película capaz de competir con el ROCKY HORROR PICTURE SHOW como perfecta midnight-movie. Con el gran Dick Miller haciendo de poli blanco y, por supuesto, torpe.

DON'T GO NEAR THE PARK (1981)
A pesar de lo que había leído sobre esta pequeña cult-movie, no estaba preparado para tanta cochambre y tanta anormalidad. La película empieza con un flashback de hace 12.000 años, donde una pareja recibe la maldición de una bruja que les condena a la vida eterna; incluyendo vejez eterna, se entiende. Para evitar envejecer deben comerle las tripas a menores vírgenes, que es lo que hacen estos infelices hasta nuestros días, violentando niños en un parque de una gran ciudad. La peli da varios saltos más en el tiempo, hasta que uno de ellos se casa con una debutante Linnea Quigley, con la que planea tener un hijo para que cumplidos 16 años, se lo pueda merendar y parar la maldición. O algo así. Nada tiene mucho sentido en esta abominación con excesos gore a lo BLOOD FEAST y un sentido cinematográfico que ni Doris Wishman en sus peores momentos. Para verla con un alto grado de intoxicación.

THE CHINESE BOXER (1970)
Probablemente la película quintaesencial del género de kung-fu, con el argumento y los personajes arquetípicos, las escenas clásicas y la pelea de dos maestros como Jimmy Wang Yu (que también dirige) y Lo Lieh. Nunca he sido fan del cine de patadas pero si tienes que ver una, ésta podría ser la más fundamental. Fue la primera de puños rodada en Hong Kong (por los Shaw bros, claro) y la que más sorprendió por su uso del gore (chorrazos de sangre a porrillo) y por esa puesta en escena con ecos de Sergio Leone. Basta con ver las primeras secuencias para darte cuenta de que es material mítico, que luego sería copiado hasta convertirlo en un cliché. Curiosamente creo que no fue editada en España.

miércoles, 19 de agosto de 2009

> Freddy... ha vuelto


Y este blog también. Los hermanos Ramsay de Bollywood vuelven a demostrar que se pueden hacer remakes con buen gusto y fieles a la tradición, ¡y eso desde la India! Que aprendan los Illadis, los Nispel, y el Samuel Bayer ése que está rodando la nueva PESADILLA. Y que (re)aprenda Sam Raimi, también.

miércoles, 15 de julio de 2009

> LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA (1972)


"Se alquila casa incómoda, ruidosa, a mano izquierda y a precio de risa." Este podría ser el anuncio por palabras de la casa que Craven y sus compinches construyeron sin muchas pretensiones a principios de los 70. Les habían encargado una peli de relleno para programas dobles y, con osadía juvenil y muy poca vergüenza, se les ocurre hacer una película que fuera como un puñetazo en la cara al público desprevenido. La cosa fue un exitazo, se exportó a todo el mundo, y se convirtió en genuina cult-movie. Más de 35 años después, seguimos hablando de ella.


Que una película sea voluntariamente incómoda de ver hoy puede parecernos poca cosa, se hacen anuncios publicitarios con esas intenciones y hasta películas para niños como TRANSFORMERS 2, pero en 1972 no era algo habitual, ni siquiera en los márgenes de la exploitation más cafre. Lo que hacían Friedman y Gordon Lewis podría ser gore, pero era puro entretenimiento con un fondo de comedia. La opción de Craven es hacer algo desagradable, ofensivo, casi inmoral, algo brutalmente en contra del espectador, "¿puede una película llegar tan lejos?" se preguntaba la publicidad. Su intención no era otra que llamar la atención, cierto, pero lo interesante es que dieron la vuelta a los mecanismos del horror como género y pusieron a la audiencia en un exasperante compromiso.

Para hacer las cosas aún más confusas, la película está repleta de humor, a veces estúpido, a veces cínico, que hace replantearnos constantemente la ética del film. ¿Es una película moralista o es una burla? El humor más cínico actúa principalmente contra las dos familias, la de Mari y la de Krug, dos opciones de familia que Wes Craven parodia con saña. La presentación de la familia de Krug, con esa voz en off que relata crímenes hiperbólicos absurdos (matan a curas y monjas, violan residencias enteras de chicas retrasadas...) les convierte en una versión bufa de la familia Manson. Y la familia de Mari, preparando la tarta y la fiesta de cumpleaños con música de sitcom barata, nos sugiere otro prototipo también ridículo de familia americana. Uno llega a pensar que el verdadero demonio de la película es la familia, como Craven dejaría claro después en LAS COLINAS TIENEN OJOS. La música es otro instrumento de cinismo fundamental, en numerosas ocasiones ironiza sobre las imágenes, como esa canción que suena cuando llevan a las chicas secuestradas en el coche, un poco al estilo BONNIE AND CLYDE (1967). Y ya puestos a desafiar instituciones, la pareja de policías patosos pone la nota slapstick, y sobre todo, convierte la violación de Mari en una experiencia de las más crueles y moralmente perversas para el espectador, que se debate durante media hora entre la risa tonta y la indignación.

Ese es el dilema que LA ÚLTIMA CASA propone por primera vez al público, aficionado o no al cine de terror/exploit: ¿por qué estás viendo esta película? ¿no es cutre, sucia, enfermiza, burda e incómoda? ¿no está MAL? ¿de qué te ríes? ¿acaso la estás... DISFRUTANDO? Craven introduce, con muy mala leche, a la audiencia en la propia ética del film, haciendo que su visionado, tan desagradable como los hechos que muestra, sea puesto también en tela de juicio. Si nos quedamos hasta el final de la película, nosotros también somos cómplices, y también seremos juzgados. Con esta maniobra, Craven politiza claramente el film, y de un plumazo, acusa a todo el cine de terror o violento "formalmente correcto" de reaccionario o, cuando menos, de ética sospechosa. Y es que en la mente de Craven se cocía ese mismo dilema desde que las televisiones de la época comenzaban a mostrar las horrendas imágenes de la guerra de Vietnam, algo que ocurría por vez primera en EEUU. La violación de Mari está rodada de esa forma, incluso con el mismo tipo de película que se utilizaba en los noticiarios de guerra de Vietnam. Todo el film está empapado de ese sentimiento de culpa, pesimismo y desmoralización que invadía el país, y al mismo tiempo de una incipiente madurez progresista post-hippie, todavía situada a la izquierda.

Se podría discutir mucho sobre la política de LA ÚLTIMA CASA, y sobre el contraste de una publicidad radical y estúpidamente conservadora ("el gran número de padres que llevan a sus hijos a ver la película es demostrativo de que su auténtico significado está siendo considerado de manera apropiada") –cortesía de la distribuidora, todo hay que decirlo– y unas imágenes que aluden (como Adam Lowenstein ha apuntado en "Shocking representation") a las protestas estudiantiles de la época. Se podría hablar sobre la confusión entre realidad y ficción, entre documental y cine ("esto es sólo una película, sólo una película...), pero esto es sólo un blog y ya me está quedando muy largo. Simplemente añadir que si le damos la vuelta a todos los argumentos anteriores, obtendremos una muy buena aproximación a la crítica que haría de la versión 2009. Es lo que se llama una crítica reversible.

jueves, 9 de julio de 2009

> LA ULTIMA CASA A LA IZQUIERDA (2009)

En 1971, mientras Wes Craven, Steve Miner, y Sean S. Cunningham rodaban LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA, el matrimonio de Michael y Roberta Findlay (los creadores de la infame trilogía "Flesh") rodaba en Argentina una peli barata sobre los crímenes de Manson que se iba a llamar SLAUGHTER. La cosa no quedó muy allá y no se llegó estrenar nunca, hasta que en 1976, Allan Shackleton, un productor muy espabilado, inventa uno de los trucos más míticos e insólitos de la historia de la exploitation. Shackleton coge SLAUGHTER y le endosa un epílogo que añade un segundo nivel de ficción a la película, en un juego metacinematográfico genial. En ese epílogo vemos al supuesto equipo de rodaje de SLAUGHTER rodando el asesinato "real" de una de las actrices delante de las cámaras, como si una "cámara oculta" hubiese recogido el crimen. A ese montaje lo tituló SNUFF y llegó a contratar falsos piquetes para que intentaran sabotear el estreno y así generar más publicidad. Hoy la película es un clásico de culto. Un artista, el Shackleton.

Viendo LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA (2009) me acordé de SNUFF. No porque se le parezca (ojalá fuera así, y mira que SNUFF es cutre), sino porque utiliza una trampa similar para intentar reanimar un subproducto aburrido y sin sustancia. Al final de LA ÚLTIMA CASA 2009, cuando ya todo está resuelto y más que resuelto, nos meten un epílogo absurdo en el que los padres de Mari vuelven a por Krug (¿no estaba muerto?) después de llevar a su hija al hospital, lo drogan para que no se mueva (¿?), le meten la cabeza en un microondas y, con la puerta abierta, lo activan y le explotan el tarro. Esta escena ridícula y chorra como pocas es lo mejor que se les ocurre a los responsables de la peli para salvar los previos 105 minutos tediosos, desganados, mojigatos, y repletos de personajes planos y sin fuste.

Es evidente que no se puede estrenar algo tan radical como el film de 1972 en estos tiempos que vivimos, pero este remake ni sirve como tal (ni adapta, ni reinterpreta, ni reflexiona, ni actualiza nada), ni tampoco como peli de terror contemporáneo. Para lo que sí sirve es para constatar la distancia cultural, social y política que nos separa de los años 70. Una distancia que nos revela más pacatos, más borregos, más moralistas y más conservadores. Y ése es, en definitiva, el verdadero "horror" del cine de terror actual.

> CHAIN GANG WOMEN y WILD RIDERS

Dos clones de LA ULTIMA CASA... cortesía de los lectores. Curiosamente son del mismo año en que se rodaba la de Wes Craven. No las he visto, pero ¡lo estoy deseando! Dos Youtubes de pura exploit...

miércoles, 8 de julio de 2009

> Don Edmonds

Me entero tarde de la muerte del director de una de mis exploitation favoritas de todos los tiempos, ILSA LA LOBA DE LAS SS. Actor, guionista, productor, Edmonds ocupa un capítulo no muy extenso pero fundamental de la historia del cine psicotrónico y fue además co-productor de AMOR A QUEMARROPA. Murió de cáncer de hígado. Dicen que le daba a la botella, así que brindemos por él.



martes, 7 de julio de 2009

> LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA: Los clones

Que nadie pierda el tiempo viendo el ridículo remake que acaban de estrenar. Aquí va una lista de clones, sucedáneos, secuelas no oficiales, y parientes cercanos que saciarán con creces vuestras ansias de estupro, acoso, allanamiento, y venganza sangrienta. Si conocéis más, comentario al canto. En próximos posts escribiré sobre algunas de ellas, sobre la obra maestra de Craven, y algo (poco) sobre la reciente idiocia.

LA LUNGA SPIAGGIA FREDA (Ernesto Gastaldi, 1971)
THE CANDY SNATCHERS (Guerdon Trueblood, 1973)
SAVAGE ABDUCTION (John Lawrence, 1973)
CIRKIN DÜNYA (Osman F. Seden, 1974)
RABID DOGS (Mario Bava, 1974)
L'ULTIMO TRENO DELLA NOTTE (Aldo Lado, 1975)
DEATH WEEKEND (William Fruet, 1976)
WET WILDERNESS (Lee Cooper, 1976)
AXE (Frederic F. Friedel, 1977)
AUTOSTOP ROSSO SANGUE (Pasquale Festa Campanile, 1977)
LAST HOUSE ON DEAD END STREET (Roger Watkins, 1977)
FIGHT FOR YOUR LIFE (Robert A. Endelson, 1977)
I SPIT ON YOUR GRAVE (Meir Zarchi, 1978)
LA SETTIMA DONNA (Franco Prosperi, 1978)
LA RAGAZZA DEL VAGONE LETTO (Ferdinando Baldi, 1979)
MIDNIGHT BLUE (Raimondo del Balzo, 1979)
SALDIRGANLAR (Engin Temizer, 1979)
LA CASA SPERDUTA NEL PARCO (Ruggero Deodato, 1980)
SHAN KOU (Dennis Yu, 1980)
TO MAKE A KILLING (Karl Zwicky, 1988)
CHAOS (David DeFalco, 2005)

jueves, 2 de julio de 2009

> Karl Malden

Otro grande que se nos va. Vaya temporadita...

> VISIONES EXPANDIDAS (2)

> OPERACIÓN LADY CHAPLIN (1966)

No hay nada mejor para la sobremesa que una peli de euroespías. Estupendas localizaciones internacionales (NY, París, Londres, Italia, Madrid, Murcia, Málaga...), ambiente cool de anuncio de Martini, alta costura, eurobellezas, machotes machistas, villanos retorcidos, cohetes y gadgets sensacionales como el vestido paracaídas que lleva Daniela Bianchi (DESDE RUSIA CON AMOR) en esta pequeña delicia de Alberto de Martino y Sergio Grieco. También sale Ken Clark, uno de los múltiples clones de 007, Mabel Karr, y Helga Liné con un look que ni Mónica Naranjo. Músicón de Bruno Nicolai y Enzo G. Castellari haciendo sus primeros pinitos como ayudante de dirección. ¿Qué más queréis?

> LOS OJOS DE UN EXTRAÑO (1981)
Ken Wiederhorn, director de la psicotrónica SHOCK WAVES, se apunta a la moda del slasher con FX de Tom Savini, pero en vez de la típica carnicería adolescente, nos propone un thriller clásico hitchcockiano muy interesante, actualizándolo con un uso eficaz de la televisión y el teléfono como elementos claves de la intriga. La peli se disfruta por su simplicidad y su destreza, hasta que los últimos 15 minutos -prácticamente mudos- nos dejan patidifusos: un clímax magistral coregrafiado a lo Brian de Palma entre el psicópata (el perturbador John DiSanti) y su víctima (una fantástica Jennifer Jason Leigh que debuta como sordomuda), que logra momentos de puro cine y alguna que otra desviación enfermiza. Muy recomendable.

sábado, 27 de junio de 2009

> CAPTAIN EEYORE

Esto es lo que he encontrado sobre la parodia de CAPTAIN EO, a esperas de conseguir la versión íntegra:
Seguramente, muchos de vosotros sabéis que existen películas grabadas por los trabajadores de Disneyland para divertirse entre ellos. Lo normal es que estas producciones se hagan con la aprobación de los jefes, como entretenimiento para poner en fiestas privadas. Por ejemplo cuando se reunen los trabajadores de Fantasyland y/orTomorrowland al final de la temporada de verano para una fiesta de la cerveza o después de Navidad para la celebración "Hemos sobrevivido a la temporada navideña de Disneyland". Durante los últimos 15 años he tenído la suerte de ver varias de esas admitidamente-amateurs-pero-de-todas-formas-divertidas películas. Algunas son mejores que otras. Pero la mejor, de lejos, fue "Captain Eeyore." Que es una disparatada parodia de la atracción 3D de 15 millones de dólares del parque. Protagonizada por el viejo amigo de Pooh, el terminalmente deprimido burro Eeyore - como Captain Eeyore. (...)

En lugar de Geex, la criatura de dos cabezas de la original "Captain EO" llamada Idy y Ody - tenemos a Tweedledum y Tweedledee (en referencia a los gemelos de Alicia en el País de las Maravillas). Y en lugar Major Domo, el robot metálico, tenemos a Tigger con un traje futurista y espacial. Y - en vez de Hooter - tenemos a Pooter. Exacto. Nuestro viejo amigo, Winnie the Pooh. (...) Dada la horrible reputación de este traje/personaje, "Captain Eeyore" intenta añadirle humor a este disfraz de Pooh. Algunos recordaréis una escena de "Captain EO" en la que Hooter tiene que saltar y agarrarse para llegar al botón que cierra las puertas de la nave. Bien, en "Captain Eeyore" el personaje que está metido en el traje de Winnie the Pooh tiene la misma misión. Solo que, en esta versión de la historia, se ve como Pooh no consigue nunca mover sus inútiles brazos para pulsar el botón. Incluso se ve a la persona de dentro del traje, intentando llegar al botón, como saca la mano por el jarro de miel que hay sobre la cabeza de Pooh.

Tweedledum y Tweedledee también añaden humor a la cinta. Durante años, el Presidente de Disney, Michael Eisner insistió en que estos personajes de "Alicia en el País de las Maravillas" no deberían existir en los parques. ¿Por qué? Porque Eisner pensaba que sus caras redondas hacián que Tweedledum y Tweedledee parecieran mongólicos. Así que como que Tio Michael no quería que se acusara a Walt Disney Company de burlarse de los niños retrasados, ordenó que no se volviera a usar esos trajes en los parques. Por supuesto, el grupo de operaciones de Disneyland y Walt Disney World obedecieron immediatamente las ordenes de Michael (...)

Hay una parte en "Captain Eeyore" que se cachondea de ambos Michael Jackson y Michael Eisner en un sólo diálgo. Mientras la gente de la nave de Captain Eeyore permanece delante de la Lider Suprema (Ese alien-araña encarnado por Angelica Huston en "Captain EO" que en esta ocasión es interpretado por una versión demente de Minnie Mouse), Tweedledum mira a Tweedledee y pregunta:

Tweedledum: ¿Quién es esa?

Tweedledee: La Lider Suprema.

Tweedledum: ¿Qué? ¿Diana Ross?

Tweedledee: (suspiro...) ¡Realmente eres un mongolo!

Estos chistes abundan en "Captain Eeyore." Por ejemplo, en los castigos que la Lider Suprema inflinge al Captain Eeyore y su tripulación. "Vosotros (señalando a Pooh, Tigger, Tweedledum y Tweedledee) os convertiréis en personajes para foto. Mientras que tú (señalando a Eeyore) tendrás cien años de tortura en el Inn Between." Para pillar estos chistes, hay que entender que los miembros que hacen de personajes Disney consideran que ser asignado como personaje para foto (donde tienen que estar todo el día bajo el sol siendo supereducado con los turistas mientras te hacen fotos posando con sus hijos) como una tortura insoportable. Y que la Inn Between es la cafetería sólo para miembros de Disney que está localizada tras el Plaza Inn de Disneyland.

Pero es el própio Captain Eeyore el que hace que esta cinta sea obligatoria para ver. No se quién es el que hace de burro (por desgracia la versión que yo vi no tenía créditos). Pero claramente este chico (o chica?) sabe bailar. Clava los movimientos típicos de Michael Jackson. Pero hay algo que me hizo partirme y es ver a este burro intentando hacer el moonwalk. O - mejor aun - Eeyore haciendo los famosos toques de pelvis de Jackson. (...)

Está claro que se gastó mucho tiempo y esfuerzo en este proyecto. Dado el tamaño del grupo de gente que actua en "Captain Eeyore" (así como el gran número de trajes oficiales de Disneyland que se usaron para la película), es muy díficil de creer que los oficiales de Disneyland no estaban al corriente de esta producción. Es más que probable que los managers de Anaheim estuvieran bien enterados de cómo iba el asunto - dado que estos miembros de Disneyland hicieron la película en su tiempo libre - y no tuvieron ningun problema con el proyecto. (...)

Buscando más info, encontré un par de testimonios de gente que estuvo en el proyecto:

Capt. Eeyore fue grabado el mismo año que se estrenó Capt. Eo en Disneyland como broma interna para la AAPHASAB, el banquete anual que celebran los miembros de Disneyland. (...) El proyecto fue totalmente aprobado, respaldado y pagado por el Departamento de Personajes de Disney. De hecho fue grabado de noche por todo un grupo de voluntarios en su tiempo libre, igual que se hace todos los años de forma voluntaria para el banquete de AAPHASAB. Se suponía que el video iba a ser sólo visto en el banquete, pero por supuesto luego circuló mucho. Encuentro fasciante que alguien pueda encontrarlo realmente entretenido como lo fue en su día. Todas las bromas son internas y nadie que no haya trabajado en el Departamento durante aquel duro año entendería el verdadero sentido del humor. (...)

Tras este resurgir del interés por Captain Eeyore, también apareció otra persona implicada... El cerebro del proyecto:

Creo que yo puedo contar las cosas como fueron. No me puedo creer que este proyecto en el que trabajé en el 87 se siga discutiendo ahora. Si, fui yo Scott Elmore quién llevé el peso del proyecto Captain Eeyore. Fui el productor ejecutivo y creé el concepto original y la historia del video. De todas formas mucha gente trabajó junta para hacer el video, todos ellos contribuyeron al proyecto final. No aparezco en el video porque estaba demasiado ocupado detrás de las cámaras. De todas formas, la mujer que hizo de Lider Suprema tuvo mucha culpa de que la comedia funcionase tan bien.

Todo el proyecto salió mucho mejor que lo que nadie hubiera pensado. Todo el Departamento de Personajes respaldó el proyecto, pero cuando Roy Disney pidió tener su própia copia tras haberlo visto en el WDI (Walt Disney Imagineering, el Disney Legal Group la consiguió. Debido a que ellos no entendían el propósito de la audiencia limitada para la que estaba pensada, nos cortaron el rollo. Principalmente porque Disney no tiene los derechos totales de la música de Michael Jackson. Así que tuve que entregar el trabajo, lo que originó rumores sobre mi. Pero todo eso pertenece ya al pasado. Fin de la historia.
(Traducido por Xtarlight para el foro de mjhideout.com)

viernes, 26 de junio de 2009

> CAPTAIN EO

Cuando era pequeño no soñaba con otra cosa que ir a Disneylandia. Me sabía el mapa que venía en un libro de Disney de memoria: todo recto a Fantasyland, a la izquierda Adventureland y Frontierland, y a la derecha Tomorrowland, donde a mediados de los 80 se empezó a proyectar CAPTAIN EO, la película en 3D de Michael Jackson que sólo se podía ver allí. No se me ocurría nada más apoteósico: una peli producida por George Lucas, dirigida por Coppola (Spielberg no pudo), protagonizada por Michael Jackson, ¡y en 3D! Además, el hecho de tener que ir a Disneylandia para verla me resultaba algo entre mítico y tremendamente sádico para los que vivíamos tan lejos. Desgraciadamente no pude ir a Disneylandia de niño, y la película acabaron sustituyéndola en los 90 por HONEY, I SHRUNK THE AUDIENCE (esta sí la pude ver y es estupenda). Hace unos días me la bajé de Internet. Y ayer por la noche la vi, después de enterarme de la triste muerte de MJ.

CAPTAIN EO es un cruce entre LA GUERRA DE LAS GALAXIAS, CRISTAL OSCURO, ALIEN, y la estética del video de "Can You Feel It" de los Jackson 5, es decir todo un monumento a la cultura pop de los 80. Este derroche kitsch iba además acompañado de efectos especiales en la propia sala, humo, lásers, explosiones... haciendo la experiencia 3D (anaglifo, del de antes) aún más divertida. En los 17 minutos de película, repletos de enanos disfrazados, efectos visuales ochenteros, y una Anjelica Huston maquillada a lo Giger, la principal atracción no es otra que el propio Jacko, que con aquella marciana candidez que mostraba en la época se convierte en lo más extraterrestre del film. Una coreografía a lo "Thriller" y un climax final con el tema "Another Part Of Me" nos acaban devolviendo al Michael Jackson de costumbre.

Por diferentes problemas legales entre MJ y Disney, CAPTAIN EO ha permanecido perdida durante todo este tiempo. Eso sí, por Internet circulan copias piratas de bastante mala calidad, considerando que la película, pese a ser una atracción de feria como lo fue el cine primigenio, se rodó en 70mm y costó unos 30 millones de dólares. Probablemente la exploitation más cara por minuto de la historia.

domingo, 21 de junio de 2009

> L'INFERNO

En 1911 los italianos ya hicieron su primera exploitation, de hecho, fue el primer largometraje producido en Italia: L'INFERNO, adaptación de los pasajes más escabrosos de La Divina Comedia de Dante. Se invirtieron tres años en rodarla, cientos de técnicos, extras, y toneladas de efectos especiales mecánicos que funcionan que da gusto verlos. Salen demonios con cuernos y rabo, gigantes, espíritus, bestias tricéfalas, un tipo con la cabeza cortada que habla, pecadores ligeros de ropa, y un Satanás tamaño Godzilla antropófago. La película triunfó en EEUU, abriendo el camino para todo el cine de sexo y violencia que los italianos exportarían años después, de Lucio Fulci a Joe D'Amato.

La versión que circula oficialmente lleva una banda sonora de Tangerine Dream que roza el ridículo new-age, pero en Youtube se encuentran versiones de fans con cosas más simpáticas, como la versión heavy metal a cargo de Iced Earth. De todas formas, lo mejor es quitarle el sonido y ponerse uno el CD que más le guste. Yo lo hice con el Black One de Sunn O))) y tuvieron lugar sincronías muy inquietantes y satánicas.

miércoles, 17 de junio de 2009

> Gabriele Crisanti

A raíz de los comentarios sobre Mario Landi y GIALLO A VENEZIA y PATRICK VIVE TODAVÍA, y la estupenda crítica de esta última en el blog de Ordel, descubro que quien está realmente detrás de todos estos cafreríos es en realidad Gabriele Crisanti, un productor de guerrilla responsable de cosas como MALABIMBA, LA HIJA DE SATANÁS o ZOMBIE 3, todas ellas con Mariangela Giordano, que curiosamente ¡era su novia en aquella época! Como explica Ordel, fue idea de Crisanti empalar a la Giordano en PATRICK VIVE TODAVÍA, y casi seguro que la inolvidable escena de ZOMBIE 3 en la que su hijo-zombi le arranca el pezón fuera otra de sus fantasías sadomasoquistas. Uno se imagina a la pareja en la intimidad ideando escenas de sexo y violencia a cual más grotesca y luego explicándoselas entre risitas cómplices a los anodadados directores. En la mayoría de estos títulos, Crisanti mandó introducir escenas porno, ya no sé si por re-explotar comercialmente la película, o por puro vicio. Como bien dice Roberto Curti en su excelente libro Sex and violence. Percorsi nel cinema estremo, "la Giordano no era ya un objeto sexual sino un efecto especial, carne de matadero perecedera y comestible." Eso es amor y lo demás tonterías. Por cierto, aquí tenéis la carátula de la versión hardcore brasileña:

lunes, 15 de junio de 2009

> VISIONES EXPANDIDAS

¿Qué habéis visto últimamente? ¿alguna exploitation que merezca la pena comentar o recomendar? ¿ramalazos exploit en películas recientes? ¿cuáles tenéis en la lista para ver? ¿qué VHS turcoerótico habéis encontrado en el rastro del domingo? ¿os estáis bajando una de hombres lobo karatecas y no acaba de descargarse? ¿buscáis una que salía una zorra nazi torturando a un tipo con un pelapatatas? No pasa nada, lo puedes contar aquí.


> DE HOMBRE A HOMBRE (1967)
Bajo este título tan filogay (y es que el género tiene su rollito homoerótico del que merecería la pena hablar) se esconde un spaghetti western modélico y entretenidísimo de Giulio Petroni, con Lee Van Cleef y John Philip Law. Es imposible hablar de esta película sin nombrar a Tarantino, ya que KILL BILL se apropiaba de parte de su banda sonora, sus recursos de montaje, y hasta su trama por episodios casi autoconclusivos. O sea que es una película 100% tarantiniana, a pesar de que QT sólo tenía 4 añitos cuando se rodó, pero las cosas como son, lo que aquí son esbozos de algo que no llega a ser un estilo propio, en Tarantino adquiere la coherencia y la fuerza de un nuevo lenguaje. Ver DE HOMBRE A HOMBRE ahora se disfruta doblemente, por lo buena que es, y por su reflejo 36 años más joven.

> 7 MUJERES ATRAPADAS (1983)
Más conocida como THE HOUSE ON SORORITY ROW, un slasher ochentero clásico, subsección panda de chavalas encerradas en un escenario con asesino de infancia traumática. Hay de todo lo que se espera: gore, tías borrachas, cámara subjetiva, flashbacks, un médico malvado y un final con sorpresa. Pero la peli está currada, tiene personajes interesantes, una escena alucinógena muy chula y un rollo pop que recuerda a Bava pasado por un filtro yanqui. Mark Rosman, el director, fue colega de Brian de Palma en sus inicios y parece que algo se le pegó.


> UNA HISTORIA PERVERSA (1969)
Curiosísimo este homenaje de Fulci a Hitchcock y a VERTIGO, bien cargado de erotismo sofisticado de revista para hombres. Localizada en la preciosa San Francisco, llena de decorados pop, colorines chillones, y una BSO de Riz Ortolani al puro estilo jazz/lounge americano, este thriller psicodélico y a ratos absurdo es en realidad un monumento a la ilusión cinematográfica, al engaño, la trampa, y el juego de espejos. Todo en ella es falso y artificial, los diálogos, los giros, los personajes, y sobre todo la puesta en escena, un exceso delicioso y tan superficial como la hermosura de sus protagonistas: Marisa Mell y Jean Sorel, que de tan guapos y fotogénicos se convierten en irreales y efímeros como un ninot en fallas. Buscarle sentido a esta película es arruinarla, dejarse llevar por sus imágenes, sus guiños, y sus trucos, es un placer.

viernes, 12 de junio de 2009

> QUELLI CHE CONTANO

Me bajé esta película al ver el cartel americano, CRY OF THE PROSTITUTE, que me pareció una maravilla. Esperaba encontrarme un poliziesco subidito de tono y lo que me encuentro es una joya del cine hijoputesco, una macarrada violenta, agria, misógina y ultraviril como pocas. Dirigida por el hasta ahora no muy respetable Andrea Bianchi, la peli es una especie de exploitation de EL PADRINO pero en clave de spaghetti-western, concretamente del POR UN PUÑADO DE DÓLARES de Leone. Dos familias enfrentadas, un pueblo siciliano, crímenes brutales, venganzas, duelos al sol, y dos pedazo de mitos como Henry Silva y Barbara Bouchet. Si esto no os hace ya salivar de gusto, esperad que hay mucho más: violencia gratuita a porrillo, erotismo marrano y malsano, chulazos italianos marcando paquete, flashbacks con sorpresa final y dos secuencias de ésas de boca abierta y cara de "esto no está pasando": la violación entre Silva y la Bouchet sobre un cerdo muerto abierto por la mitad, y una secuencia de créditos/prólogo que tuve que verlo dos veces para creérmelo. El tema principal de los créditos, de Sante María Romitelli, es también una maravilla (¡cómo acaba, dios!). Habría mucho más que contar pero lo mejor es que la veais sin saber nada, es un peliculón y punto. Yo ya estoy deseando verla otra vez. Podéis encontrar una copia muy buena en inglés (creo que nunca fue editada en España) en el indispensable foro de Cinemageddon.org, pero verla en italiano es muy recomendable.




miércoles, 10 de junio de 2009

> MADE IN CHINA

Este sábado, en el cine Casablanca-Kaplan de Barcelona, tendrá lugar una proyección expandida del clásico despropósito de artes marciales MADE IN CHINA, de John Liu. El apetecible evento lo organiza Raúl Minchinela en connivencia con el Sr. Ausente, Rubén Lardín y Nacho Vigalondo, que amenazan con comentar la peli en directo, un poco al estilo Mystery Science Theatre 3000. No es que sea muy fan de este tipo de exhibiciones, generalmente vinculadas al fatídico concepto "es tan mala que es buena", pero del talento de los responsables hay que fiarse, y en este caso la película, sinceramente, invita a ello. Lo realmente interesante es la reivindicación de la experiencia compartida del cine (espero que la proyecten en celuloide), en detrimento del home-cinema, algo que va inevitablemente unido al disfrute de la exploitation, y que espero que se repita en futuras noches. Y a ver si montamos algo parecido en Madrid, llevo tiempo dándole vueltas a ello. Ideas, ganas, y material, no me falta.


Más información aquí.

lunes, 8 de junio de 2009

> PERRAS CALLEJERAS

Uno de los últimos coletazos del cine quinqui, dirigido por el padre fundador de esta modalidad autóctona de exploitation (¿quizá la única?): José Antonio de la Loma. No es tan buena como PERROS CALLEJEROS, pero tiene suficientes elementos de explotación como para darle una oportunidad. El primero y más importante, el protagonismo de Sonia Martínez, la presentadora infantil de "3, 2, 1... ¡Contacto!" y "Dabadabadá", que acababa de salir destetada en el Interviú, había sido despedida de TVE, y era carne de fiestas y guateques de mala reputación. Probablemente De La Loma viera en ella la nueva encarnación del Torete, un nuevo modelo de joven descarriada, famosa, con dinero y sin prejuicios, muy propia de la España moderna y nuevaolera de los 80. Pese a Sonia, sus pechos, los pechos de Teresa Giménez, una panda de transexuales reales, y el simpático cameo de Luis Cuenca, PERRAS CALLEJERAS no cumple las expectativas de tan fascinante título, resulta demasiado blanda y desganada, aunque sin caer en la moralina ejemplarizante de otros títulos quinquis. Lo mejor de la peli es la banda sonora, un pegadizo pastiche de electro a lo John Carpenter y pop siniestro ochentero, compuesto por Mario Balaguer y Enrique Milián, que si fuera reeditada hoy podría formar parte de una sesión de DJ de Kavinsky o Zombie Zombie. Se incluye también la actuación de la banda barcelonesa Cristal Oscuro, de Tony Roldán, Josep Giberga y Jaume Aresté, en la misma onda new romantics (ver videos).


domingo, 7 de junio de 2009

> TERMINATOR SALVATION

Otro caso de exploitation involuntaria de gran presupuesto, esa variante del cine comercial hollywoodiense que recupera los mecanismos más fuleros del exploit y los empaqueta con vistosos oropeles de 50 millones de dólares en adelante. TERMINATOR SALVATION habrá costado unos 200 millones, pero por momentos parece que estés viendo no ya una peli de la Cannon, si no cosas como GUERREROS DEL DESIERTO (Cirio H. Santiago, 1990), con el pobre David Carradine. Otros dos títulos recientes de Hollywood con intenso sabor a exploitation son EL INCREÍBLE HULK (2008) y ALIEN VS PREDATOR (2004), que sin aspirar conscientemente a reinventar subgéneros, ni ser remakes de clásicos de serie B, caminan por terrenos similares a aquellas costrosas producciones de videoclub.




McG recupera de alguna forma los fundamentos del poscine que implantó con fuerza en LOS ÁNGELES DE CHARLIE, convirtiendo la película en un zapeo constante de referencias a otras películas, momentos musicales, pequeños sketches y hasta parodias de éxitos recientes. Como ver la tele pero en un cine. Se reciclan los mejores momentos de la anterior saga de TERMINATOR, se mete el temazo de Guns N' Roses, se copian escenas de TRANSFORMERS y de LA GUERRA DE LOS MUNDOS de Spielberg por la cara, y por si era poco, se sugiere entre sombras infográficas la chorra del gobernador de California.

Tiene su gracia, pero para hacerlo mal se puede hacer mejor, como en aquella de CY WARRIOR de Giannetto de Rossi, con otro cyborg rubiales que pensaba que era humano y unos niños lo encontraban... ¿no suena a plagio?

viernes, 5 de junio de 2009

> EL DIOS DE LA MUERTE ASESINA OTRA VEZ

No tengo palabras para lo que acabo de ver. Un giallo mutante de Armando de Crispino en una fan-version absolutamente delirante. Internet, el P2P, y la videoedición casera está redefiniendo el cine exploit. *Escribir algo sobre esto.


Un tal Pulasky (Vagos.es) es el presunto autor de este montaje ripeado de un VHS americano y con el audio español. La película tuvo diferentes montajes según cada país y en esta versión, al parecer íntegra, se recuperan todas las escenas cortadas, que no son precisamente de sexo o violencia, sino diálogos que tratan de clarificar la trama. Para los que no la han visto, EL DIOS DE LA MUERTE ASESINA OTRA VEZ es un giallo que combina los elementos clásicos y los modernos del género italiano. Hay asesinatos con cámara subjetiva, bellas víctimas, múltiples sospechosos, algo de erotismo, algo de gore, toques sobrenaturales y subtramas sobre arte. Es decir, una especie de maxmix de lo que fue el género. El resultado es deliciosamente incoherente como casi siempre, pero en la versión de Pulasky, la incoherencia alcanza grados de dadaísmo altamente disfrutables.

La película comienza con el audio inglés para luego introducirse el audio español con cambio de revoluciones incluido y la lógica variación en la ecualización del sonido. Durante la película encontraremos más escenas en inglés (las censuradas en la versión española), escenas sin audio, y en alguna ocasión diálogos repetidos en distintos idiomas. Los personajes cambian de voz de repente, como poseídos por otros personajes; partes de la música se repiten como en una sesion de DJ con scratches y cambios de ritmo constantes, y mientras tanto, la trama se enreda progresivamente.

No he visto ningún montaje oficial de esta película de Crispino, pero salta a la vista que no es una película muy cuerda. Además de los típicos finales múltiples con distintos culpables, encontramos varios flashbacks, saltos de tiempo, diferentes voces en off y hasta escenas repetidas con puntos de vista alternativos. Si ya la película era absurda de por sí, y más aún -me imagino- la versión española de video a la que le faltaban secuencias enteras, en esta fan-version la cosa se radicaliza al máximo.

El resultado es delirante e hipnótico, transformando la visión de una exploitation del montón en una experiencia única, expandida, más próxima a los experimentos de reciclado de found-footage a lo Mike Kuchar que a una película de terror al uso. No es la primera vez que esto ocurre (ya escribiré algo sobre el cine involuntariamente avant-garde de Doris Wishman, la de DEADLY WEAPONS) , pero lo interesante es que el responsable ya no es sólo el director de la película, sino también los fans, que anónimamente y por amor al arte, reconstruyen las obras, lo que añade inevitablemente un nuevo nivel de autoría a la misma. Algo similar ocurrió cuando el super8 se promocionó como el formato de cine doméstico y los largometrajes se tenían que "reducir" a rollos manejables de 20 minutos, dando lugar a resúmenes insólitos y a veces más divertidos que el original (*otro tema para desarrollar).

Estamos por tanto en el terreno de la "post producción" que definió el crítico de arte Nicolas Bourriaud, a raíz de los postulados visionarios de Michel de Certeau:
"el acto de leer, de contemplar una obra de arte o de mirar un film significa también saber desviarlos: el uso es un acto de micropiratería, el grado cero de la post producción."
Y esto es lo que yo llamo VISIÓN EXPANDIDA.